por Mike
Segundo trabajo de Ashpipe, banda militante italiana de ska/punk'n'folk con raíces antifascistas y antirracistas.
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viernes, diciembre 16, 2011
Ashpipe: Born Bad CD (Mad Butcher Records MBR 115)
por Mike
Segundo trabajo de Ashpipe, banda militante italiana de ska/punk'n'folk con raíces antifascistas y antirracistas.
domingo, julio 25, 2010
El negocio, sospechoso en Duisburgo
Los momentos iniciales de horror y consternación ligados a la tragedia de la Loveparade -la multitudinaria fiesta tecno que se celebraba en la localidad alemana de Duisburgo en la que murieron el sábado 19 personas a causa de una avalancha humana- han dejado paso al análisis de las circunstancias que rodearon al luctuoso suceso. La Fiscalía de la ciudad ha abierto una investigación para determinar las causas de lo ocurrido y los errores cometidos por quienes tenían la obligación de garantizar la seguridad de los participantes en el festival.
jueves, julio 22, 2010
¿Cuál independencia? ¡Si nos silencian y no nos escuchan!
Acción directa - 20 de Julio en Medellín. Más de 1.500 personas levantan la voz en el barrio Boston de Medellín. El Parque Obrero está ocupado por soñadores, estudiantes, jóvenes y gente que piensa diferente: El 11. “Antimili Sonoro” es una propuesta alternativa de Antimilitarismo y No-violencia y se ubica en el marco del Bicentenario, del Festival Internacional de Arte en Resistencia y de la Minga Indígena y Popular. Pero también otros jóvenes hacen escuchar su voz: Platohedro lanzó el domingo, 18 de julio, su “Moción de Claridad” en el barrio Buenos Aires. Ofreció breakdance, un bazar de colectivos juveniles, estampación, fotografía y una batalla de MCs: “¡Venden nuestras vidas para cubrir el presupuesto de la Nación!”
sábado, julio 17, 2010
Venezuela: Continúa Festival Afrodescendiente de los países del ALBA
Esta sábado 17 y mañana 18 de julio el festival contará con el Gran Encuentro de Saberes y reunirá en una misma tarima a grupos culturales afrodescendientes de ocho estados de Venezuela y cinco países invitados
miércoles, julio 14, 2010
México: Manzanero conmemora Bicentenario de la Independencia
martes, mayo 18, 2010
Salsa hip hop con letras reivindicadoras
Klara Aguilar Vásquez
Músicos de apariencia hippie. Algunos lucen trenzas dreadlocks que los hacen parecer integrantes de una banda de reggae. Sin embargo, no es así. Claudio Amico (guitarras, tres, didjeridu, arreglos, coro), Aquiles Rengifo (cuatro, tres y voz), Ernesto Figueroa (percusión menor y voz), Piky Figueroa (percusión menor, voz poeta y escritor callejero), Irvin Peña (saxofón), Marcos Espinoza (tumbadoras), Maikel Wallacs (bajo), Ángel Peña (trompeta) y José Luis Reyna (timbal) conforman la orquesta venezolana Sontizón, que lleva diez años dedicada a la creación de un sonido original, vibrante, contagioso y bailable.
Los ingredientes principales de la receta musical de Sontizón son la salsa, el son y el guaguancó, aderezados con una dosis de hip hop, ritmos que combinan con la fuerza de la música afrovenezolana, latinoamericana y acordes del jazz.
El comienzo
Creada en el año 2000 en la parroquia El Valle, dos años después de su conformación Sontizón experimentó una etapa de efervescencia. El golpe y contragolpe del año 2002 perfilaron el camino definitivo de la agrupación.
“La mayoría de los músicos de la agrupación hemos estado históricamente ligados con el proceso revolucionario y participamos de la forma que pudimos en el regreso del comandante Chávez. La orquesta sufrió lo mismo que el país: los escuálidos se fueron por un lado y los chavistas nos quedamos. Hubo una fractura, pero es etapa superada”, dice Ernesto Figueroa, vocalista y percusionista de la banda.
Con su propuesta de música urbana fusionada con diversos ritmos, acompañada con letras de contenido social inspiradas en el acontecer del país y la cotidianidad del venezolano, se dieron a conocer en Venezuela y en varios países del mundo.
Los músicos de El Valle, con la perspectiva de establecer una relación viva y directa con el público, emprendieron una gira por las parroquias caraqueñas y diversas comunidades del interior del país. La aceptación fue avasallante.De inmediato, el sonido Sontizón cruzó fronteras. Los jóvenes caraqueños encendieron con su “salsa hip hop” diversos escenarios del mundo, en países como España, Italia y Francia.
El ahora
A ocho años del auge de Sontizón, el andar de la banda, enrumbado hacia el camino de la reivindicación de los pueblos, de la justicia, de la unión y de la conformación de una América unida, a través del arte, la música y canción, continúa vigente.
En la actualidad la banda mantiene un vínculo estrecho con el Núcleo de Desarrollo Endógeno Cultural Tiuna El Fuerte. Desde allí apuestan por la incorporación de niños y jóvenes al quehacer cultural a través de diversos talleres que, desde ese espacio, son ofrecidos.
“Hace cinco años dijimos que en vista del momento histórico que estábamos viviendo no sólo se debía cantar, sino que ese decir debía ir acompañado con el hacer. En Tiuna, El Fuerte se creó el Laboratorio de Arte Urbana, donde se dictan 11 talleres, entre ellos están los de percusión, producción radial, audiovisual y musical; danza y poesía urbana; elaboración de proyectos, entre otros”, señaló Piky Figueroa, vocalista y compositor.
Un proyecto en colectivo
Ernesto, Pinky y Aquiles unieron su talento al de músicos como Raúl Mota, bajista de la banda Jahbafana; y Dj Kronopio, para la creación del colectivo musical Bituaya, que será presentado el próximo jueves 27, a las 8 pm, en Tiuna El Fuerte, ubicado en El Valle. Bituaya, frase con la que se identifican “las verduras” en el Oriente de Venezuela, es una propuesta basada en la investigación de sonoridades y ritmos del Caribe fusionados con música electrónica. Es un concepto vanguardista de ritmos cadenciosos, con letras con contenido social y reflexivas. Bituaya graba su primer disco que aspiran presentar en junio.
Hoja de vida
> La agrupación nace en el año 2000 en la populosa parroquia El Valle.
> Son los creadores de la canción oficial del plan nacional de alfabetización Misión Robinson.
> Sus canciones han sido utilizadas en documentales de corte social como Venezuela Bolivariana: pueblo y lucha de la IV guerra (Marcelo Andrade, Venezuela), Otro mundo es posible (Gabriela Muszio, Italia) y Venezuela desde abajo (Darío Azelinni, Alemania).
> En 2002 Sontizón graba su primer demo, titulado Rumba, bochinche y vacilón. Palabras con intención.
> En 2004, con un gira realizada por algunos países de Europa, visitaron ciudades como Barcelona, Bilbao, Marsella, Florencia, Bolonia, Roma, Venecia, Ámsterdam, Bruselas y París.
> Han compartido tarima con artistas y grupos como Paul Gillman, Un solo pueblo, Madera, Desorden Público, Los Van Van, Ismael Miranda y Manu Chau & Radio Bemba Sound.
Su primer disco
En 2007 la orquesta se estrena en el ámbito discográfico con la presentación de su primera producción, titulada A cada 11 le llega su 13, nombre que hace alusión al desenlace del golpe de Estado del 11 de abril de 2002.
El disco incluye 11 temas:
1. Intercomunal y 17
2. Luna
3. Hordas
4. Platabanda
5. Fénix
6. Cuchisha
7. La planta
8. De bien
9. Reserva e mango
10. Qué comía
11. A cada 11 le llega su 13.
Mira y escucha el video del tema Reserva e mango
Fuente: Ciudad CCS
viernes, abril 30, 2010
Viernes 30 de abril en Bogotá: Concierto de Walka
Lugar: Pachamama Muro Café
(Cr 16A # 79-43 / Tel: 6109417)
Hora: 8:00 pm
Cover: $8.000
Cerveza $3.000
¡Los Esperamos!
Walka: Fusión Andina / Folk Rock
http://www.myspace.com/walkafusion
martes, abril 06, 2010
Fermín Muguruza filma los sonidos del mundo árabe
La globalización no sólo comporta la homogeneización de costumbres, sino que también puede facilitar colaboraciones como la que han establecido el músico vasco Fermín Muguruza y Al Jazeera, cadena de televisión que le ha encomendado la realización de una serie de programas sobre la música de los países árabes.
Luis Hidalgo
El encargo ya tiene forma y se ha comenzado a grabar en Egipto, país que protagonizará dos de los 13 capítulos de una serie que tiene previsto concluir las grabaciones en Sudán y que será emitida por el canal internacional de documentales de Al Jazeera en lengua inglesa.
El proyecto se gestó cuando el músico presentó en el Doha Cultural Festival (Qatar) y en el Dubai Film Festival su documental Checkpoint rock, un recorrido por la música actual de Palestina sustanciado en entrevistas con alguno de sus intérpretes más destacados. Según Muguruza, "los responsables de Al Jazeera se mostraron muy interesados en este trabajo y me ofrecieron la posibilidad de hacer algo mucho más exhaustivo". Fermín Muguruza, que en los primeros momentos se mostró perplejo ante la naturaleza del encargo, acabó por entender las razones que habían movido a los responsables de Al Jazeera: "Estaban informados de mis actividades y de mi trayectoria artística".
Según el músico, "la cadena deseaba un punto de vista externo, de un músico, que fuese amante de la fusión de culturas y sonidos y que mostrase respeto por las culturas ajenas a la suya", indica Muguruza.
Durante meses, Muguruza preparó en Irún, su localidad natal y de residencia, la documentación necesaria para abordar esta empresa, que le mantendrá ocupado durante todo este año. La serie contará con 13 capítulos de 45 minutos de duración, cuyas cinco primeras entregas han de estar concluidas en julio.
Según Muguruza, el enfoque de la serie pretende "abordar la música de estos países intentando no dejarse llevar por prejuicios. Quiero ir con una idea lo más neutra posible. Será difícil para mí, ya que siempre he creído que la música está vinculada a la política, pero no quiero hacer documentales políticos al uso. Voy con la intención de sorprenderme, de hacer una especie de viaje musical en el que me iré encontrando con distintos protagonistas de los que escucharé sus vivencias". A tal efecto, Muguruza tiene un cuerpo de preguntas comunes para todos los artistas (entre seis y ocho por capítulo), preguntas que pretenden averiguar cómo y por qué comenzaron a hacer música, qué música escuchaban en sus entornos familiares y sociales en su niñez y juventud, qué formación musical recibieron y por qué escogieron la música como modo de expresión.
Las cuestiones que desde un punto de vista occidental resultan más vidriosas no suponen un problema de especial envergadura para Fermín Muguruza, quien afirma: "sobre los aspectos religiosos hay bastante desconocimiento. Es cierto que la religión tiene peso en la música, pero no es menos cierto que al ser música de marcado acento costumbrista, la mirada no sólo se fija en la religión, abordando muchos otros aspectos de la vida cotidiana que van de las relaciones familiares a las cosechas".
Sobre lo que no existe duda, tal y como manifestaba en el documental que rodó en Jamaica narrando la grabación de su disco Euskal Herria Jamaika Clash, "es que la música en los países árabes, al igual que en Jamaica, es una celebración de la vida. Allí no está tan vinculada a la industria del entretenimiento como entre nosotros". Esta consideración no oculta la evidencia de que "la globalización está produciendo que la tecnología, algunos patrones rítmicos y algunos estilos musicales estén influyendo de manera muy significativa en la evolución de la música árabe, que no se encuentra aislada del resto del planeta. Por ejemplo, en la Kabilia admiran a Dylan, y en Sudán el rapero Emmamnuel Jal, antiguo niño soldado, ha hecho piezas criticando el culto a las armas de raperos como 50 Cent".
La idea de fusión resulta muy atractiva para el músico vasco, "ya que lo que podemos entender como música árabe es el proceso de siglos de fusión de culturas".
El músico logró reunir una importante documentación sobre los distintos artistas que se disponía a entrevistar en cada país. El listado se estableció mediante consultas con sus contactos en la zona, amigos y sugerencias de los propios responsables de Al Jazeera. Para cada país ha contado con un asesor seleccionado por él mismo, y también ha sido él quien confeccionó una lista que incluye periodistas locales, fotógrafos, artistas, cineastas y músicos como Yacine Belahcene, artista argelino-catalán actualmente al frente del grupo Nour. La cadena Al Jazeera le ha brindado apoyo para que pueda disponer de un equipo local de tres cámaras.
Sin juicios previos
El músico vasco quiere desprenderse de todo tipo de juicios previos a la hora de abordar este nuevo trabajo. Aspectos como la religión y la mujer en el Islam estarán estrechamente ligados a la cultura. En su documental Checkpoint Rock, Fermín Muguruza realizó una serie de entrevistas a raperas palestinas que manifestaban el progresivo cambio del papel femenino en las sociedades árabes.
Al respecto, Muguruza recuerda el caso de Cheikha Rimitti, una de las diosas musicales del Magreb, "una mujer cuyo nombre deriva de la expresión 'vuelve a llenarme el vaso' y cuya afición al alcohol y a los hombres no escandaliza a nadie a estas alturas. Y hablando de escandalizarse, responsables de Al Jazeera aún están perplejos por lo que vieron en el barrio Rojo de Ámsterdam o por las publicaciones que desnudan a nuestras mujeres y que aparecen en los quioscos de prensa".
Fuente: El País, Madrid, España
El encargo ya tiene forma y se ha comenzado a grabar en Egipto, país que protagonizará dos de los 13 capítulos de una serie que tiene previsto concluir las grabaciones en Sudán y que será emitida por el canal internacional de documentales de Al Jazeera en lengua inglesa.
El proyecto se gestó cuando el músico presentó en el Doha Cultural Festival (Qatar) y en el Dubai Film Festival su documental Checkpoint rock, un recorrido por la música actual de Palestina sustanciado en entrevistas con alguno de sus intérpretes más destacados. Según Muguruza, "los responsables de Al Jazeera se mostraron muy interesados en este trabajo y me ofrecieron la posibilidad de hacer algo mucho más exhaustivo". Fermín Muguruza, que en los primeros momentos se mostró perplejo ante la naturaleza del encargo, acabó por entender las razones que habían movido a los responsables de Al Jazeera: "Estaban informados de mis actividades y de mi trayectoria artística".
Según el músico, "la cadena deseaba un punto de vista externo, de un músico, que fuese amante de la fusión de culturas y sonidos y que mostrase respeto por las culturas ajenas a la suya", indica Muguruza.
Durante meses, Muguruza preparó en Irún, su localidad natal y de residencia, la documentación necesaria para abordar esta empresa, que le mantendrá ocupado durante todo este año. La serie contará con 13 capítulos de 45 minutos de duración, cuyas cinco primeras entregas han de estar concluidas en julio.
Según Muguruza, el enfoque de la serie pretende "abordar la música de estos países intentando no dejarse llevar por prejuicios. Quiero ir con una idea lo más neutra posible. Será difícil para mí, ya que siempre he creído que la música está vinculada a la política, pero no quiero hacer documentales políticos al uso. Voy con la intención de sorprenderme, de hacer una especie de viaje musical en el que me iré encontrando con distintos protagonistas de los que escucharé sus vivencias". A tal efecto, Muguruza tiene un cuerpo de preguntas comunes para todos los artistas (entre seis y ocho por capítulo), preguntas que pretenden averiguar cómo y por qué comenzaron a hacer música, qué música escuchaban en sus entornos familiares y sociales en su niñez y juventud, qué formación musical recibieron y por qué escogieron la música como modo de expresión.
Las cuestiones que desde un punto de vista occidental resultan más vidriosas no suponen un problema de especial envergadura para Fermín Muguruza, quien afirma: "sobre los aspectos religiosos hay bastante desconocimiento. Es cierto que la religión tiene peso en la música, pero no es menos cierto que al ser música de marcado acento costumbrista, la mirada no sólo se fija en la religión, abordando muchos otros aspectos de la vida cotidiana que van de las relaciones familiares a las cosechas".
Sobre lo que no existe duda, tal y como manifestaba en el documental que rodó en Jamaica narrando la grabación de su disco Euskal Herria Jamaika Clash, "es que la música en los países árabes, al igual que en Jamaica, es una celebración de la vida. Allí no está tan vinculada a la industria del entretenimiento como entre nosotros". Esta consideración no oculta la evidencia de que "la globalización está produciendo que la tecnología, algunos patrones rítmicos y algunos estilos musicales estén influyendo de manera muy significativa en la evolución de la música árabe, que no se encuentra aislada del resto del planeta. Por ejemplo, en la Kabilia admiran a Dylan, y en Sudán el rapero Emmamnuel Jal, antiguo niño soldado, ha hecho piezas criticando el culto a las armas de raperos como 50 Cent".
La idea de fusión resulta muy atractiva para el músico vasco, "ya que lo que podemos entender como música árabe es el proceso de siglos de fusión de culturas".
El músico logró reunir una importante documentación sobre los distintos artistas que se disponía a entrevistar en cada país. El listado se estableció mediante consultas con sus contactos en la zona, amigos y sugerencias de los propios responsables de Al Jazeera. Para cada país ha contado con un asesor seleccionado por él mismo, y también ha sido él quien confeccionó una lista que incluye periodistas locales, fotógrafos, artistas, cineastas y músicos como Yacine Belahcene, artista argelino-catalán actualmente al frente del grupo Nour. La cadena Al Jazeera le ha brindado apoyo para que pueda disponer de un equipo local de tres cámaras.
Sin juicios previos
El músico vasco quiere desprenderse de todo tipo de juicios previos a la hora de abordar este nuevo trabajo. Aspectos como la religión y la mujer en el Islam estarán estrechamente ligados a la cultura. En su documental Checkpoint Rock, Fermín Muguruza realizó una serie de entrevistas a raperas palestinas que manifestaban el progresivo cambio del papel femenino en las sociedades árabes.
Al respecto, Muguruza recuerda el caso de Cheikha Rimitti, una de las diosas musicales del Magreb, "una mujer cuyo nombre deriva de la expresión 'vuelve a llenarme el vaso' y cuya afición al alcohol y a los hombres no escandaliza a nadie a estas alturas. Y hablando de escandalizarse, responsables de Al Jazeera aún están perplejos por lo que vieron en el barrio Rojo de Ámsterdam o por las publicaciones que desnudan a nuestras mujeres y que aparecen en los quioscos de prensa".
Fuente: El País, Madrid, España
lunes, marzo 08, 2010
Euskal Herria: I Festival Reggae en Vitoria: Festibala Soundz
El próximo sábado 13 de marzo tendrá lugar en la Sala Jimmy Jazz el Festibaila Soundz Vol.1, el primer festival de reggae de nuestra ciudad. Desde Glisse apoyamos esta iniciativa y esperamos poder anunciaros muchas más ediciones.
Os dejamos una pequeña descripción de los grupos que participaran y sus MySpace para que vayas haciendo oído.
Bad Sound System: "Monte, mar y calle desde Irun la frontera". Grupo del mítico barrio de Mosku de Irun, tocan géneros como el hip hop, reggae y raggamuffin. Forman parte de Talka, colectivo dirigido por Fermin Muguruza, y han colaborado con artistas nacionales como internacionales, Fermin Muguruza, Sorkun, Kodigo Norte, La Kinky Beat, o Mungos Hi Fi. MySpace
Revolutionary Brothers & King Konsul: Dos hermanos de Donostia, Iker y Unai, amantes de la música negra, en la que los ritmos jamaicanos son la base de su estilo musical. Revolutionary Brothers Sound System tiene su centro base en Donostia y opera desde el 2002. Colaboran con diferentes cantantes, djs, sound systems, y grupos para la organización de eventos musicales y culturales relacionados principalmente con la música jamaicana. En la puesta en escena mezclan estilos jamaicanos como ska, rocksteady, early reggae, roots, dub, dancehall, new roots, ragga con pinceladas de música negra como funk, hip hop , soul... seleccionando y mezclando el contenido de las sesiones con mucha imaginación y destreza... ayudados de módulos de efectos y samplers dando más juego al directo!! MySpace
Gorka Suaia "aka Fyah Dealer": Integrante del grupo de hip hop más representativo de Gasteiz, Kodigo Norte, presenta por primera vez en directo su showcase de canciones en solitario. Letras trabajadas y buenas entonaciones le auguran un gran futuro a este singjay gasteiztarra. MySpace
Soulfood (Green Valley, Toti Fada y Twan): El hijo pródigo de nuestra ciudad en cuanto al reggae refiere Ander Valderde trae por primera vez a Vitoria su nuevo show de la mano de Black Akadehmy records. Black Akadehmy Records está consiguiendo romper los clásicos moldes que formaban el reggae y el hip-hop en España. En poco menos de dos años se han consagrado como sello por potenciar las mejores voces y los riddims más prometedores. Ahora presentan un nuevo concepto de grupo fusionando tres idiomas en un mismo mensaje, compuesto por Toti Fada, Twan y Green Valley, que responde al nombre de Soulfood. El disco ya está en el horno y se podrá degustar en cuestión de meses y todo apunta a que será una revolución musical. MySpace
Fuente: Glisse
viernes, febrero 19, 2010
Música y resistencia: La Nueva Canción Puertorriqueña
Roy Brown, Noel Hernández y Toño Gaztambide, 1978
Por Jorge H. Medina
“…canto que ha sido valiente,
siempre será canción nueva”
Víctor Jara
Para abordar este tema es preciso no perder de perspectiva el carácter colonial de la sociedad puertorriqueña. Una relación donde el dominio cultural es factor constituyente del colonizador y la resistencia cultural un arma de defensa vital para el colonizado. Recordemos que entre los diferentes mecanismos que el sector dominante impone para socavar las bases culturales del sector dominado está el intento de legitimación de su cultura dominante, hasta el punto que el dominado la sienta suya, sometiendo su autenticidad y su espíritu. Y esto lo hace mediante la contraposición de dos conceptos de lo que es cultura.
Aquí el dominador se proclama poseedor de una cultura “civilizadora y progresista” y proyecta al dominado como un colectivo de ignorantes de costumbres “atrasadas e improductivas”, incapaces de valerse por sus propios recursos. En respuesta a este atentado contra la identidad y la estima del nacional, que amenazara su memoria histórica y la confianza en su capacidad, los puertorriqueños hemos recurrido a la mejor arma que hemos tenido a la mano para contener y contrarrestar estos intentos de alienar su ser; la resistencia cultural.
Dentro de las expresiones culturales puertorriqueñas, la música y la literatura han sido las que han protagonizado las mayores manifestaciones de resistencia cultural a través de la historia. La búsqueda de la cohesión de un ser nacional puertorriqueño será una constante en el refranero y el decimario literario que se da durante el siglo 19. Se desarrolla un romanticismo patriótico que cuenta con destacados ejemplos en el Cancionero de Borinquen (1846) de Santiago Vidarte, El Gíbaro (1849) de Manuel Alonso, el poema épico Agueybana El Bravo (1854) de Daniel de Rivera y La Peregrinación de Bayoán (1863) de Eugenio María de Hostos, que adiciona un sentimiento antillanista, latinoamericano y universal.
Al final del siglo 19 y durante la primera década del siglo 20 se desarrolla un cancionero obrero que alimenta el espíritu solidario y combativo del trabajador de la caña y de las comunidades obreras urbanas. A partir de la década del 1920, se documenta todo un cancionero popular de resistencia, de contenido social, cultural y patriótico, que apunta a fortalecer el sentimiento de pertenencia, identidad y estima puertorriqueña. Este movimiento de canción nacional es creado e interpretado por figuras legendarias de la música popular puertorriqueña como Manuel Jiménez “Canario”, Rafael Hernández, Johnny Rodríguez, Pedro Flores, Pedro Ortiz Dávila “Davilita”, Ramito, Bobby Capó, Moncho Usera, Polito Galíndez, Mario Hernández, Claudio Ferrer y Daniel Santos, entre otros.
Curiosamente, Puerto Rico es uno de los pocos casos en el mundo, si no el único, donde la canción nacional se crea fundamentalmente fuera de su territorio nacional. Esto ocurre en la ciudad de Nueva York, entre las décadas del 30 al 50, a donde se ven obligados a emigrar miles de puertorriqueños, entre ellos nuestros músicos y compositores, como consecuencia de las pobres condiciones sociales, políticas y económicas en la isla.
A finales de la década del 50 y durante los años 60 se da en Puerto Rico un movimiento de grupos corales-teatrales-recitativos que desarrollan un trabajo de musicalización de las obras de los grandes poetas nacionales puertorriqueños (José Gautier Benítez, José De Diego, Luis Llorens Torres, Julia de Burgos, Luis Palés Matos, Francisco Matos Paoli, Juan Antonio Corretjer, entre otros), que le dan vida a un poema épico puertorriqueño que enaltece el espíritu de un ser nacional que clama por su realización definitiva. Jóvenes como David Ortiz Angleró, Luis Rafael Sánchez, Naida Dávila, Gilda Navarra y Brunilda García encontraron en la coral-poética-musical el espacio para dar vuelo a un mensaje lírico que anunciaba un nuevo Puerto Rico, libre y soberano.
Otro grupo de artistas llevó el concepto a la radio a través de la declamación combinada con música. Entre ellos Antonio Torres Martinó, Jaime Ruiz Escobar y los primeros actores Iris Martínez, Miguel Ángel Suárez y Pedro Santaliz, entre otros.
En Puerto Rico, y a partir de la segunda mitad de la década del 60, comienzan a sentirse individualmente exponentes que, sin saberlo, coinciden en una nueva visión creativa e interpretativa de la música popular. Es una canción que se resiste al dominio colonial y que es contestataria ante la situación política, social y cultural del país. Roy Brown, Noel Hernández, Neftín González, Antonio Cabán Vale (El Topo), Andrés Jiménez (El Jíbaro), Carlos Lozada, y en la ciudad de Nueva York, el dúo de Pepe Sánchez y Flora Santiago. Todos se encuentran en un proceso de aportar, a través de la canción, una nueva modalidad de expresión de la lucha política y patriótica desde la perspectiva de una nueva generación.
Se trata de jóvenes artistas que desarrollaron una labor de creación original donde se conjuga de manera formidable una elevada calidad estética con una clara comprensión y compromiso con relación a las inquietudes políticas y sociales de Puerto Rico y a los problemas generales universales.
La fundación por estos jóvenes en Puerto Rico del Grupo Taoné en el 1971, marca formalmente, el inicio de un Movimiento de “Nueva Canción Puertorriqueña” articulado, con rasgos y personalidad propia dentro del contexto de un fenómeno musical puertorriqueño, latinoamericano y universal de gran envergadura. Con él nace uno de los movimientos de resistencia cultural más frontales e influyentes en la historia puertorriqueña, expresado a través de la música. Esta nueva canción, dentro de la música popular, se da en un contexto de luchas sociales y políticas que arropaban a Puerto Rico y al mundo en la década del 60.
La lucha anticolonial, por la independencia, en defensa del patrimonio nacional, contra la explotación minera, la lucha por la recuperación de la memoria histórica y la identidad nacional, la unidad latinoamericana, el discurso en contra de las guerras imperiales (Argelia, Vietnam, Angola, Mozambique), la lucha contra el racismo y por los derechos humanos, las luchas obreras, contra la explotación del capital, las estudiantiles contra el militarismo y por la autonomía, por los derechos de la mujer, la solidaridad tercermundista contra la intervención extranjera, son los ejes temáticos principales de ese movimiento. La canción y el canto, como artes, comienzan a manifestarse y a opinar, y comienzan a resistir la visión oficial de la cultura dominante. Se convierte la canción en una nueva forma de lucha social.
Podemos distinguir varias etapas en el desarrollo y evolución del Movimiento de la Nueva Canción en Puerto Rico. En una primera etapa los principales artistas de este movimiento se aglutinaron alrededor de las principales organizaciones políticas que abogaban por la independencia y el socialismo en Puerto Rico. Principalmente alrededor del Partido Socialista Puertorriqueño (PSP) y el Partido Independentista Puertorriqueño (PIP). De esta manera las organizaciones podían presentar un modelo de proyecto político que en la práctica contenía una propuesta cultural concreta de nuevo tipo.
El ser brazos culturales de las organizaciones políticas le permitió al incipiente movimiento un desarrollo y una exposición relativamente rápida. Se garantizaba de esta manera el apoyo y financiamiento de un programa de presentaciones públicas por todo el territorio nacional, por ciudades en los Estados Unidos y ofrecía la oportunidad a sus miembros de participar en festivales y giras internacionales (ej. Gira de Taoné por EEUU; Roy Brown participa en el Festival de Agua Dulce en Perú, 1972; Taoné viaja a Cuba y al X Festival de la Juventud en Alemania en el 1973, a México en el 1974). Se garantizaba la producción discográfica de las obras de sus miembros, y muy importante aún, se garantizaba la distribución de los discos a través de la estructura política-organizativa. Esta relación dio buenos resultados en sus inicios.
Disco Libre, sello discográfico y estructura de producción y distribución de discos del PSP logró editar 18 títulos diferentes entre el 1971 y 1976.
Alrededor del PIP giraban iniciativas artísticas como el grupo La Puerta integrado por Josué Matos “Papá”, Jorge Arce, Luis Toledo, Josie Latorre, Nena Rivera, Carmen Nydia Velásquez, Paquiro Muñoz, Néftin González, Silverio Pérez & Roxana Riera. También el Trío Integración (Nena Rivera, Sunshine Logroño & Jorge Arce) y el Taller Canto Libre (José Nogueras & Silverio Pérez). El sello discográfico PICA, del PIP, logro editar un título -Los Trece- con su artista Willy Padín y el Conjunto La Revuelta. Los artistas plásticos y gráficos también se beneficiaron pues proyectaron como nunca el arte del cartel político en las portadas de cada edición de Disco Libre y en los carteles de publicidad de venta de los discos como también en el anuncio de actividades, festivales y conciertos donde se presentaban los nuevos cantores.
Organizados alrededor del Taller Bija, colectivo afín a la línea política del PSP, descubrimos las obras de algunos de nuestros más destacados artistas gráficos como Rafael Rivera Rosa, René Pietri y Nelson Sambolín. En la misma dirección participaron otros artistas como Joaquín Reyes, Omar Quiñónez, Antonio Navia y Piru Ramírez entre otros.
Pero llega un momento cuando los nuevos cantores comienzan a dialogar entre ellos y a comprender que el espacio político partidista resulta muy estrecho para el desarrollo y eventual evolución de sus carreras artísticas como exponentes de esta nueva canción. Y aquí comienza una segunda etapa cuando la nueva canción logra insertarse como una corriente de exposición masiva dentro de la música popular puertorriqueña. La incorporación de nuevos integrantes y agrupaciones a partir de mediados de la década del 70, más allá del ámbito partidista, le dan un impulso y una visibilidad definitiva a este nuevo cancionero.
Figuras como Alberto Carrión, Lucecita Benítez, Danny Rivera, José Nogueras, grupos como Haciendo Punto en otro Son, Taller Canto Libre, Moliendo Vidrio con el Pecho y Guayacán logran que el cancionero de este nuevo movimiento penetre los medios comerciales de difusión alcanzando primeros lugares de preferencia entre la audiencia.
Lucecita Benítez, a quien con merecida justicia se le dedica esta edición 36 del Festival de Claridad, logró sembrar buenas semillas en el desarrollo de esta nueva canción de carácter rebelde. Por su personalidad artística de alta popularidad, y por el mérito propio de poseer una voz espectacular, logró traer a la atención del público la existencia de un cancionero y una generación de nuevos autores, puertorriqueños y latinoamericanos. Lo hizo a través de la incorporación de sus canciones en sus discos y conciertos. Pero no sólo en Puerto Rico. Los expuso a través de sus múltiples giras por los Estados Unidos y otras plazas en el Caribe, América Latina y Europa. Ella, junto a Danny Rivera, le dieron un impulso “histórico y coyuntural” a esta canción.
La “nueva canción puertorriqueña” no fue responsable de crear el espacio social y político donde se desarrolló ni mucho menos crear el universo musical que le dio base y sustancia. Allí existían, antes que ella, los grandes dilemas de nuestra sociedad. Allí estaban también los elementos musicales que acompañarían esa canción: la rica variedad de nuestra música popular y la influencia de la música contemporánea. Entonces la nueva canción surgió como una alternativa social que a veces, las menos, utilizó los mismos medios de difusión que la música comercial, pero que nunca se dejó dirigir y dominar por ellos y que en esencia tuvo que inventar sus propias formas de expresión y se suplió siempre de sus propios recursos temáticos.
En Puerto Rico, alrededor de la nueva canción, se desarrollaron compañías de producción y distribución de discos como Disco Libre, productoras independientes de espectáculos, tiendas de libros y discos como La Tertulia y Librería Puerto Rico, espacios radiales independientes como Taller Canto Libre, publicaciones como el Suplemento En Rojo de Claridad, la Revista Canto Libre, la administración de café-teatros como Los Campos Alegres, La Tahona, La Tea, La Torre, El Recobeco, Los Muñequitos, entre muchos otros y las organizaciones políticas (MPI, LS, FUPI, PSP, PIP) que abrieron sus estructuras y fomentaron la exposición por donde transitaron los miembros del nuevo movimiento para hacerse de un espacio de proyección propio y divulgar sus propuestas.
En la segunda mitad de la década del 70 nace y se fortalece un movimiento muy afín a la visión y principios del nuevo cancionero que hemos denominado neocriollismo. Una iniciativa para rescatar y dignificar la música campesina puertorriqueña ofreciendo una interpretación contemporánea de las formas tradicionales y creando nuevas músicas y letras que fortalecen su forma y contenido.
Con referencia en los grandes exponentes de la música campesina de siempre y con las experiencias exitosas de grupos anteriores como Haciendo Punto, Moliendo Vidrio y Taoné, aparecen en el escenario musical agrupaciones como La Orquesta Criolla Nacional Mapeyé dirigida por Antonio “Tony” Rivera y Taller Campesino dirigido por el cuatrista Edwin Colón Zayas. Alrededor de ellos una nueva generación de instrumentistas, trovadores e improvisadores que garantizan la vigencia y continuidad de nuestros más genuinos y autóctonos valores culturales expresados en la música campesina.
Un movimiento similar se da con la música afroboricua. Se establece un proyecto musical de búsqueda de un sonido autóctono puertorriqueño, a partir del estudio de las formas musicales tradicionales, de la creación de una salsa brava, resistente, de contenido social donde se experimenta con las armonías y la fusión. Bajo la dirección del músico, compositor y productor artístico Frank Ferrer y su Orquesta Puerto Rico 2010 se crea un proyecto cultural amplio que lleva el nombre “Cumbre Criolla”. El objetivo es identificar y aglutinar antiguos y nuevos valores dentro de la música popular puertorriqueña y documentar su arte a través de producciones discográficas y espectáculos.
Ese trabajo se complementa en los contenidos de la valiosa producción autoral del compositor guayamés Tite Curet Alonso que se orientan a la revalorización de lo puertorriqueño, al rescate de su identidad histórica, social y cultural. Se recuperan también otros espacios musicales de raíz como la bomba y la plena alrededor de los trabajos de grupos como Los Pleneros del Quinto Olivo, Modesto y la Familia Cepeda, el grupo Atabal, Plena Libre y Planéalo, entre muchos otros grupos, que se dan a la tarea de remozar los ritmos tradicionales con nuevos arreglos y sonoridades que logran recuperar la popularidad que gozara en tiempos antaños. En la diáspora se destaca el trabajo que en esa misma dirección hace el grupo de Los Pleneros de la 21. Temáticamente se recuperan y se integran contenidos de resistencia e identidad cultural.
Las décadas del 80 y el 90 resultó un verdadero reto para el movimiento de la nueva canción en Puerto Rico. Las dictaduras en Latinoamérica, la caída de los proyectos democráticos en el mundo, el debilitamiento de las organizaciones independentistas en Puerto Rico, el ascenso de una ideología anexionista con una política antinacional y represiva, la aplicación de un proyecto económico neoliberal, el inicio de una ofensiva de cultura globalizada, superficial y enajenante, conducen durante esta época a una casi desaparición de la visibilidad pública de la nueva canción.
Sin embargo, y gracias a esa actitud puertorriqueña de persistencia llamada resistencia cultural, pudo sobrevivir y mantenerse a salvo, en parte por la continuidad que le dieron algunos de los exponentes de las primeras etapas y en parte por la integración de nuevos valores y aportaciones. Vale destacar, entre estas, las importantes propuestas de figuras como Zoraida Santiago, Mario César Ríos, Américo Boschetti, Maria Gisela Rosado, Luis Rojas, Mikie Rivera, los grupos Antillano, Guayacán, Katraska, Aires Bucaneros, Alborada, Triada, Paseo Taíno, Jataca, Guayciba y Nova Ilusión. En la diáspora, Eladio Torres y Lourdes Pérez.
Para la década del 90 el rock en español y el reggae llenan el espacio de la canción contestataria donde se destacan compositores como Tito Auger con el grupo Fiel a la Vega, y Willie Rodríguez con el grupo Cultura Profética, entre otros.
El nuevo siglo trae nuevas esperanzas para la nueva canción. Los nuevos cantautores y exponentes se organizan en talleres y colectividades. Nace el movimiento de Trova-Rock y el Taller de Cantautores, cooperativa de artistas. Se fortalece el movimiento con la incorporación de las diversas manifestaciones de la música urbana; el rock, el reggae, el hip hop, la música fusión. Emergen nuevos grupos como Así Somos, Iyawó, Somos Tres. También compositores y nuevas voces: José Julián Ramírez, Fernando Ferrer, Alí Tapia, Luis Díaz (Intifada), René Pérez (Calle 13), María Isabel "Chabela" Rodríguez, y en la diáspora José Pepo Saavedra.
El propósito de este escrito no ha sido otro que levantar algunas consideraciones alrededor de la relación música-resistencia en Puerto Rico desde una perspectiva histórica y el papel que en ella ha tenido la nueva canción. De ninguna manera resulta un tema agotado y mucho menos concluido. No es música de resistencia la nueva canción porque se oponga o exprese reservas de las modas y preferencias cambiantes en el gusto musical de las audiencias. Si le llamamos de esta manera es porque no sólo ha nacido esta canción de la urgencia de resistir una cultura dominante, sino de la necesidad de proponer y luchar por la transformación de la realidad colonial. Por ese mérito, le reconocemos su enorme aportación en el desarrollo y evolución de nuestra música popular.
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El autor es productor y conductor del programa Cantar América que se transmite por Radio Universidad los domingos a las 10:00am.
jueves, febrero 11, 2010
Su Ta Gar: “Tenemos muchas puertas cerradas, pero el grupo sigue”
Este sería vuestro quinto lanzamiento en directo, entre discos, DVD, y VHS ¿Es lo mejor del grupo o es casualidad ir grabando directos?
“Es casualidad, pero pienso que somos más grupo de directo que de estudio. Creo que en directo nos superamos, cuando sacamos un disco, al año, esas canciones en directo suenan mucho más potentes, pero tienes que grabar discos. El editar cosas en directo ha sido en parte necesidad, cuando editamos el ‘More Volumen Tour’, llevábamos dos discos y creíamos que debíamos tener algo audiovisual, luego editamos el ‘Homo Sapiens? Tour’, porque también pensábamos que era el momento, luego vino el directo, porque no teníamos, porque teníamos dos VHS pero no un disco”.
“El hecho de sacar estos DVD, el anterior y este doble disco con DVD, es más una casualidad, porque ha tocado, se ha sumado la necesidad después de ‘Jainko Hilen Uhartean’ de editar algo audiovisual y la posibilidad, más el hecho de celebrar el 20 aniversario, que ha tocado a la vez. Sentimos la necesidad de hacer algo especial”.
Habrá gente que le venga bien, al no poder veros en carne y hueso.
“Ah, pues mira, sí, para la gente de Madrid por ejemplo, que llevamos más de diez años sin tocar allí y me parece una injusticia total, porque al final lo que cantamos lo cantan todos los grupos de aquí y es una pena, porque sabemos que tenemos un montón de seguidores que nos quieren ver y no podemos disfrutar del rock’n'roll, ni nosotros, ni ellos. Ahora estamos preparando uno para principios de año, que tampoco voy a decir dónde, (risas) ya saldrá, pero vamos a ir a Madrid, vamos a intentarlo y lo vamos a conseguir”.
¿El problema para tocar en determinados sitios del estado hace que no se os reconozca tanto valor individualmente como seguramente se debería?
“Creo que eso es evidente. Si estuviéramos tocando tanto en el estado, como afortunadamente hacemos en Euskal Herria, seríamos más conocidos y la gente hablaría más a título personal de cada uno. Un reconocimiento a nivel de estado tenemos hace muchos años, hay un momento en el que empezamos a tocar en festivales muy reconocidos como el Viña, al que este año volveremos, pero es uno de los casos aislados, al Derrame no hemos vuelto, al TintoRock tampoco y en todos tuvimos unas críticas muy buenas y la gente empezó a querernos contratar por todas partes del estado. Luego se nos cortó el camino y ha habido un parón en el que parece que el grupo no está funcionando, pero es al revés, el grupo sigue, lo que pasa es que tiene muchas puertas cerradas y por eso el eco que pueda tener nuestra música y nosotros como instrumentistas está ahí, ha quedado aislado”.
“Afortunadamente por gente que está metida en el mundillo, oímos cosas de esas (ndr: le comenté que Joxe Luena le nombraba como un referente) que agradan mucho y dan fuerza para seguir”.
¿Cómo fue la noche que ha quedado registrada para vosotros?
“Era la cuarta o quinta vez que ofrecíamos este set list, el primero fue el 1 de noviembre, en Iparralde, y ya veníamos un poco rodados, pero antes pasé una bronquitis, que tuvimos que suspender un concierto en L’Hospitalet desgraciadamente, que luego cuando volvimos no lo pudimos hacer, se hubiera podido al principio, pero cuando volvimos, por presiones políticas, los de Salamandra se acojonaron. Era un reto el grabarlo, el sitio, que Plateruena es bastante expuesto, teníamos los nervios, yo estaba acojonado al venir de una bronquitis súper fuerte, pero ya lo teníamos ensayado y en ese aspecto estábamos tranquilos. Luego es una lotería el que salga el concierto redondo o no. Nos fuimos soltando y al final fue la hecatombe”.
A la hora de afrontar la grabación ¿era más importante la calidad del sonido final, o que se captara el espíritu que se vivió esa noche?
“Está todo unido en nuestro caso, porque cuando intentamos grabar algo serio, porque el DVD anterior, lo que es el concierto, igual por falta de medios, el sonido no tiene nada que ver con éste, pero era a lo máximo que podíamos aspirar en ese momento. Esta vez tuvimos la oportunidad de hacerlo en condiciones y el sonido al final intentas hacerlo lo mejor posible y en el momento que estás tocando intentas pasártelo lo mejor posible, igual que en otro concierto. Quizá al principio piensas el que hay cámaras y estás más agarrotado pero lo más importante en un concierto para nosotros es pasarlo bien, así que intentas desinhibirte y lo haces para pasarlo bien en el momento, si eso se transmite en las imágenes, mucho mejor, al final está todo unido”.
“Intentamos dar la máxima calidad, pasándolo lo mejor posible e intentando comunicarnos lo máximo posible con la gente”.
¿Este lanzamiento tendrá gira de presentación?
“No teníamos muy seguro cómo plantearlo, porque es raro hacer una gira, lanzar el producto y luego presentarlo, hemos hecho presentación en medios de comunicación, la típica promoción y ahora hemos dado tres conciertos como presentación de David Zarzosa (nuevo bajista), manteniendo un poco las canciones del directo, pero en otro orden y ya sin piano, solo Xabi saca la acústica, y hemos cambiado el formato, un poco más reducido, pero ya no es 20 aniversario ni nada, es la presentación del bajista, para seguir rodando y vivir el rock’n'roll y que David toque un poco”.
¿Qué ha sido lo mejor y lo peor de estos 20 años?
“Lo peor, indudablemente, el accidente de Borxa, y lo mejor es que nos ha hecho como personas, tenemos la suerte de que sea nuestro trabajo y nos dé de comer, luchando bastante conseguimos eso y toda la gente que hemos conocido en el camino, en Euskal Herria, en el estado, en Europa, en Suramérica, hemos hecho muchos amigos y los momentos que hemos vivido, que alguno se olvidará, pero son muchos, e inolvidables. El grupo nos ha dado una cosa que, a la gente de a pie, la vida no se las da”.
¿El proyecto Su Ta Gar en la escuela sigue adelante?
“Ahora está un poco paradillo, desde que Asier dejó el grupo, porque solíamos ir sin batería, íbamos Asier, Xabi y yo, los fundadores un poco del grupo y era una iniciativa que tuvimos, que ahora está parada, entre el cambio de bajista y que nos vino trabajo de golpe, y lo dejamos a un lado, pero eso es más que nada por un lado porque cuando éramos chavalillos vinieron los Hertxainak que era un grupo muy conocido y muy emblemático del País Vasco de los 80 y 90 y vinieron a dar una charla cuando teníamos 15 años, que ellos eran prácticamente desconocidos, pero recuerdo que hubo revuelo del copón en la escuela y tengo un muy grato recuerdo”.
“Por un lado quisimos revivir un poco eso y por otro, muchas veces nos llaman de las escuelas, para ir a dar una charla y hacer alguna canción, y siempre te pillan a contra pie, sin nada preparado y era por ofertar una cosa que fuera asequible y la tercera cosa y la más importante, era la intención de motivar a los chavales en torno al euskera, la música, que no vean a la gente famosa como algo distante y era la combinación de esas tres razones. Pero ahora está parado, nos llaman y guardamos los teléfonos para retomarlo algún día”.
Entrevista: Jorge Bobadilla
viernes, enero 29, 2010
Damián Ponce, primer disco
Con este disco, Ponce, compositor formado en Colombia y en el Instituto Superior de Artes de La Habana, lanza su primera producción monográfica luego de su participación en el 2003 en el disco “Conciertos Jóvenes” junto a los compositores Juan Sebastián Monsalve y Sebastián Quiroga.
miércoles, diciembre 02, 2009
Mikel Laboa «in memoriam»
Iñaki Uriarte
Arquitecto
Ayer, 1 de diciembre, se cumplió el primer aniversario de cuando el entrañable cantautor euskaldun Mikel Laboa (Donostia 1934-2008) abandonó definitivamente la tierra, el país, nuestra patria Euskal Herria y se encontró allá, en lo alto, con sus txoriak. Aquella noticia, recibida con dolor como imposible por la eternidad espiritual que poseen los grandes artistas, dejó un silencio, un vacío no sólo creativo y comunicativo, sino que supuso también la pérdida de una excepcional personalidad, humanista y amable, discreta y generosa, genial y admirable.
Su aportación a la cultura vasca ha sido, y seguirá siendo, trascendental en nuestra historia contemporánea, un período excepcional y fundamental en la creación artística: Ez Dok Amairu, el euskara batua, los grupos artísticos Gaur, Emen, Orain, Danok, la estatuaria del santuario de Arantzazu, etcétera. Supuso la incorporación de una forma de expresión musical oral de absoluta vanguardia partiendo de las raíces peculiares de un pueblo, sus creencias, tradiciones y una lengua singular.
Laboa alcanzó, desde una humildad personal y austeridad escénica, una grandiosidad absoluta creando en sus actuaciones una atmósfera poética sencilla a la vez que profunda entre la forma y el fondo. Una voz entrañable con unos registros sorprendentes, compuestos de dulzura, armonía, sentimiento y capaz de desgarros vocales que creaban tonalidades épicas.
Repletas de una conmovedora semántica, transmitiendo unos contenidos penetrantes de ancestralidad de múltiples memorias, en ocasiones casi olvidadas, alusivas a la etnografía, la naturaleza, la vida, el sufrimiento, el euskera y el país, impregnando la sensibilidad de los asistentes. Componía un tiempo emocional diferido, una reverberación.
Su fraseo sumamente expresivo, apreciado en directo con su presencia, poseía además de profundidad una gama de sensaciones contagiosamente enternecedoras que suscitaban en ocasiones temáticamente un llanto espiritual y cuántas veces real. Actualmente y en el futuro, su abundante discografía, enriquecida con las artísticas portadas de su gran amigo, el extraordinario pintor Jose Luís Zumeta, nos permitirá la recreación de momentos inolvidables.
Quienes además tuvimos la ocasión de conocerle personalmente desde hace muchos años, en su época de especialidad médica en Barcelona, apreciamos su estructura humanista arraigada en los valores más tradicionales de un pueblo que generaron su faceta inspirativa. Solidario con todas las afecciones y problemas de Euskal Herria es preciso recordar, por ejemplo, la asistencia junto con otros destacados artistas a la Biennale di Venecia en 1976 bajo el lema «Amnistía Denontzat». Mikel, como también casi todo el arte vasco comprometido con su país, ha sido miserablemente ignorado en España.
Quizá uno de los momentos más sublimes y merecidos de su vida como artista, por la dimensión estética, la singularidad orquestal, así como por la multitudinaria y afectiva acogida popular, fue el concierto de agosto de 1999 en el Victoria Eugenia Antzokia de Donostia junto con Donostiako Orfeoia y Euskal Herriko Gazte Orkestra, en tres temas que representan epopeyas musicales: «Gernika (Lekeitio 4)», «Txoria txori» y «Baga-biga-higa (Lekeitio 2)».
Su declamación, respondida y respaldada por el magnifico arrope colectivo vocal e instrumental, crea parajes musicales inconmensurables, incluso en sintonía con la dialéctica estética vasca entre el vacío, en este caso su canto, y el lleno, el coro y la orquesta. La obra de Mikel Laboa, si fuésemos un país elementalmente culto, debería ser analizada en su totalidad y tener, como genuino e irrepetible por muy diversos valores, la consideración y calificación de monumento sonoro perteneciente al Patrimonio Cultural Inmaterial Vasco.
El pasado 8 de agosto en la Donostiako Musika Hamabostaldia quienes acudimos a su homenaje «Laboaren Munduak», con la participación de sus colaboradores más habituales y grandes creadores musicales Iñaki Salvador y Josetxo Silguero, pudimos de nuevo apreciar con una inmensa carga emocional el gran reconocimiento y afecto popular y la enorme trascendencia de su legado musical, que quedará para siempre.
En este contexto cultural resulta absolutamente decepcionante que llegado ya el primer aniversario, fuera de Gipuzkoa, no se haya programado ningún acto en su memoria.
Padecemos toda esta extirpe de políticos asalariados de la cultura, desde los responsables del área en el gobierno-rapiña vascongado españolista, hasta una diputada de Cultura en Bizkaia y una concejala de Cultura en Bilbo cuyas aficiones más conocidas en esta materia -con la que siempre desde hace décadas especulan demagógicamente- son los estrenos de la ópera y las cenas del Guggenheim, utilizadas para poder posar y mostrar vestimenta. Gente conocida por su absoluta indiferencia, insensibilidad e incapacidad, algo verdaderamente despreciable.
Más si comparativamente vemos en ocasiones qué tipo de personajes y espectáculos se contratan para el Arriaga y Euskalduna.
Volviendo a Laboa, su figura y obra permanecerán siempre como un inmortal patrimonio sentimental de Euskal Herria. Por todo y por tanto, mila esker Mikel!
Fuente: Gara
Arquitecto
Ayer, 1 de diciembre, se cumplió el primer aniversario de cuando el entrañable cantautor euskaldun Mikel Laboa (Donostia 1934-2008) abandonó definitivamente la tierra, el país, nuestra patria Euskal Herria y se encontró allá, en lo alto, con sus txoriak. Aquella noticia, recibida con dolor como imposible por la eternidad espiritual que poseen los grandes artistas, dejó un silencio, un vacío no sólo creativo y comunicativo, sino que supuso también la pérdida de una excepcional personalidad, humanista y amable, discreta y generosa, genial y admirable.
Su aportación a la cultura vasca ha sido, y seguirá siendo, trascendental en nuestra historia contemporánea, un período excepcional y fundamental en la creación artística: Ez Dok Amairu, el euskara batua, los grupos artísticos Gaur, Emen, Orain, Danok, la estatuaria del santuario de Arantzazu, etcétera. Supuso la incorporación de una forma de expresión musical oral de absoluta vanguardia partiendo de las raíces peculiares de un pueblo, sus creencias, tradiciones y una lengua singular.
Laboa alcanzó, desde una humildad personal y austeridad escénica, una grandiosidad absoluta creando en sus actuaciones una atmósfera poética sencilla a la vez que profunda entre la forma y el fondo. Una voz entrañable con unos registros sorprendentes, compuestos de dulzura, armonía, sentimiento y capaz de desgarros vocales que creaban tonalidades épicas.
Repletas de una conmovedora semántica, transmitiendo unos contenidos penetrantes de ancestralidad de múltiples memorias, en ocasiones casi olvidadas, alusivas a la etnografía, la naturaleza, la vida, el sufrimiento, el euskera y el país, impregnando la sensibilidad de los asistentes. Componía un tiempo emocional diferido, una reverberación.
Su fraseo sumamente expresivo, apreciado en directo con su presencia, poseía además de profundidad una gama de sensaciones contagiosamente enternecedoras que suscitaban en ocasiones temáticamente un llanto espiritual y cuántas veces real. Actualmente y en el futuro, su abundante discografía, enriquecida con las artísticas portadas de su gran amigo, el extraordinario pintor Jose Luís Zumeta, nos permitirá la recreación de momentos inolvidables.
Quienes además tuvimos la ocasión de conocerle personalmente desde hace muchos años, en su época de especialidad médica en Barcelona, apreciamos su estructura humanista arraigada en los valores más tradicionales de un pueblo que generaron su faceta inspirativa. Solidario con todas las afecciones y problemas de Euskal Herria es preciso recordar, por ejemplo, la asistencia junto con otros destacados artistas a la Biennale di Venecia en 1976 bajo el lema «Amnistía Denontzat». Mikel, como también casi todo el arte vasco comprometido con su país, ha sido miserablemente ignorado en España.
Quizá uno de los momentos más sublimes y merecidos de su vida como artista, por la dimensión estética, la singularidad orquestal, así como por la multitudinaria y afectiva acogida popular, fue el concierto de agosto de 1999 en el Victoria Eugenia Antzokia de Donostia junto con Donostiako Orfeoia y Euskal Herriko Gazte Orkestra, en tres temas que representan epopeyas musicales: «Gernika (Lekeitio 4)», «Txoria txori» y «Baga-biga-higa (Lekeitio 2)».
Su declamación, respondida y respaldada por el magnifico arrope colectivo vocal e instrumental, crea parajes musicales inconmensurables, incluso en sintonía con la dialéctica estética vasca entre el vacío, en este caso su canto, y el lleno, el coro y la orquesta. La obra de Mikel Laboa, si fuésemos un país elementalmente culto, debería ser analizada en su totalidad y tener, como genuino e irrepetible por muy diversos valores, la consideración y calificación de monumento sonoro perteneciente al Patrimonio Cultural Inmaterial Vasco.
El pasado 8 de agosto en la Donostiako Musika Hamabostaldia quienes acudimos a su homenaje «Laboaren Munduak», con la participación de sus colaboradores más habituales y grandes creadores musicales Iñaki Salvador y Josetxo Silguero, pudimos de nuevo apreciar con una inmensa carga emocional el gran reconocimiento y afecto popular y la enorme trascendencia de su legado musical, que quedará para siempre.
En este contexto cultural resulta absolutamente decepcionante que llegado ya el primer aniversario, fuera de Gipuzkoa, no se haya programado ningún acto en su memoria.
Padecemos toda esta extirpe de políticos asalariados de la cultura, desde los responsables del área en el gobierno-rapiña vascongado españolista, hasta una diputada de Cultura en Bizkaia y una concejala de Cultura en Bilbo cuyas aficiones más conocidas en esta materia -con la que siempre desde hace décadas especulan demagógicamente- son los estrenos de la ópera y las cenas del Guggenheim, utilizadas para poder posar y mostrar vestimenta. Gente conocida por su absoluta indiferencia, insensibilidad e incapacidad, algo verdaderamente despreciable.
Más si comparativamente vemos en ocasiones qué tipo de personajes y espectáculos se contratan para el Arriaga y Euskalduna.
Volviendo a Laboa, su figura y obra permanecerán siempre como un inmortal patrimonio sentimental de Euskal Herria. Por todo y por tanto, mila esker Mikel!
Fuente: Gara
martes, diciembre 01, 2009
«Mikel Laboa 180º» recuerda al maestro en el año de su fallecimiento
El teatro donostiarra Victoria Eugenia recordará a Mikel Laboa hoy, en el primer aniversario de su muerte, por medio de la actuación de algunos de sus discípulos musicales.
«Mikel Laboa 180 º» reunirá sobre el escenario del Victoria Eugenia a músicos de muy diversa índole, algunos estilísticamente muy alejados y espiritualmente muy cercanos de lo que fue el trabajo del autor de «Txoria txori», para reinterpretar algunos de los temas del inolvidable cantautor.
Los disc jockeys Makala y DZ, además de los grupos Lain, Xabi San Sebastian, Ken Zazpi y Gose serán los protagonistas de esta actuación, en la que también intervendrá con su cuarteto de jazz el pianista Iñaki Salvador, que mantuvo una colaboración ininterrumpida con Laboa a lo largo de un cuarto de siglo.
Los participantes en el evento no quieren llamarlo homenaje sino `recuerdo', con la pretensión de que su memoria quede viva con lo que él más amaba, la música.
Durante el acto se entregará a su familia la Medalla de Oro de Donostia que, a título póstumo, concedió a Mikel Laboa el Ayuntamiento pocos días después de su muerte a los 74 años.
El acto comenzará a las 20.00 h., y las entradas, a 15 euros, están agotadas.
Del uno al 17
Icono de la cultura euskaldun, Mikel Laboa Manzisidor, nacido el 15 de junio de 1934 en Donostia falleció el 1 de diciembre de 2009, tras una larga enfermedad, hace hoy un año. Experimental y vanguardista, debutó con el ep «Lau herri kanta» en 1964 y, tras varios trabajos, publicó el imprescindible «Bat-Hiru» en 1974.
Creador libre y genial, su última actuación pública fue junto a Bob Dylan en la playa de la Zurriola. «Xoriek-17», de 2005, es su último álbum, tras el cual recopiló sus «Lekeitioak» en 2007, culminando así la reedición de toda su obra en formato digital. Muchas de sus canciones pertenecen ya a la memoria popular.
Fuente: Gara
«Mikel Laboa 180 º» reunirá sobre el escenario del Victoria Eugenia a músicos de muy diversa índole, algunos estilísticamente muy alejados y espiritualmente muy cercanos de lo que fue el trabajo del autor de «Txoria txori», para reinterpretar algunos de los temas del inolvidable cantautor.
Los disc jockeys Makala y DZ, además de los grupos Lain, Xabi San Sebastian, Ken Zazpi y Gose serán los protagonistas de esta actuación, en la que también intervendrá con su cuarteto de jazz el pianista Iñaki Salvador, que mantuvo una colaboración ininterrumpida con Laboa a lo largo de un cuarto de siglo.
Los participantes en el evento no quieren llamarlo homenaje sino `recuerdo', con la pretensión de que su memoria quede viva con lo que él más amaba, la música.
Durante el acto se entregará a su familia la Medalla de Oro de Donostia que, a título póstumo, concedió a Mikel Laboa el Ayuntamiento pocos días después de su muerte a los 74 años.
El acto comenzará a las 20.00 h., y las entradas, a 15 euros, están agotadas.
Del uno al 17
Icono de la cultura euskaldun, Mikel Laboa Manzisidor, nacido el 15 de junio de 1934 en Donostia falleció el 1 de diciembre de 2009, tras una larga enfermedad, hace hoy un año. Experimental y vanguardista, debutó con el ep «Lau herri kanta» en 1964 y, tras varios trabajos, publicó el imprescindible «Bat-Hiru» en 1974.
Creador libre y genial, su última actuación pública fue junto a Bob Dylan en la playa de la Zurriola. «Xoriek-17», de 2005, es su último álbum, tras el cual recopiló sus «Lekeitioak» en 2007, culminando así la reedición de toda su obra en formato digital. Muchas de sus canciones pertenecen ya a la memoria popular.
Fuente: Gara
viernes, noviembre 20, 2009
30 años de furia
por Diego A. Manrique
The Clash encarnó la rama politizada del punk frente al nihilismo existencial de los Sex Pistols. Una reedición celebra ahora las tres décadas de vigencia de su obra magna, London calling, el disco que abrió el sonido a otras músicas y acabó cambiando la historia del rock.
El calendario es implacable. Te frotas los ojos, repites las cuentas y, sí, es verdad, han pasado 30 años de London calling. Resulta que el doble elepé de los Clash se publicó el 22 de diciembre de 1979, pero tardó unas semanas en tener edición estadounidense: eso explica que la revista Rolling Stone lo pudiera proclamar “el gran disco de los 80”. Paladeen la paradoja: London calling encarna exactamente lo opuesto de las tendencias dominantes en esa década, que hoy recordamos como un atracón de sintetizadores, ritmos programados, hombreras, pelos esculpidos, materialismo desatado.
Nadie que viviera London calling lo ha olvidado. Sus semillas están bien plantadas entre nosotros: Siniestro Total parodió la impactante portada de Ray Lowry, sus canciones han bautizado locales (Jimmy Jazz) o agencias de management (Spanish Bombs). Artistas tan alejados como Amaral confiesan conocer al dedillo sus cuatro caras. Sus temas han sido versionados por Fermín Muguruza, Amparanoia y mil grupos punkis locales.
Londres como nuevo Moscú
Sin embargo, London calling representa la superación del punk rock en su versión más elemental, un feliz ejemplo de maduración de unos creadores. Habían militado en el ejército del imperdible como los insubordinados de otras generaciones lo hicieron en el Partido Comunista.
Lo reconoce Joe Strummer: “Cuando me uní a The Clash fue como volver a la casilla de inicio, al año cero. Parte del punk consistía en desprenderte de todo lo que conocías antes. Éramos casi estalinistas: insistíamos en que había que deshacerse de las viejas amistades y de nuestra manera de tocar, en un intento febril por crear algo nuevo”.
Los Clash encarnaban la rama politizada del punk rock, frente al nihilismo existencial y el gusto por la provocación —“nos gustan las esvásticas”— de Pistols o Banshees. Reciclaban imágenes y conceptos de la extrema izquierda; respondían a lo que se recuerda como el “Invierno del Descontento”, periodo de huelgas y disturbios que culminó, ay, con la elección de mistress Thatcher, disciplina severa. Naturalmente, iban de antiestadounidenses, si hemos de creer aquello de I’m so bored with the USA.
América la maravillosa
Dicen que los prejuicios se quitan viajando. Al igual que ocurriría con U2, les revolvió los esquemas el contacto con los verdaderos Estados Unidos, esa América que yace olvidada entre los polos mediáticos de Manhattan y Hollywood. Descubrieron que subsistían muchas corrientes musicales, ignoradas por la gran industria del entretenimiento. Y que los nativos, a diferencia de los que encontraron en su visita a Jamaica, podían ser afables. Lo juraba Joe, que cruzó el país en una camioneta Ford, a lo Jack Kerouac.
El año cero de Strummer se traducía por reclamar como propia la herencia del rock de guitarras, tal como lo destilaban en el downtown neoyorquino. Sólo había una música ajena a esa línea que pasaba la aduana estética de los punkis londinenses: el gomoso reggae. Inicialmente, la conexión era comercial: algunos jamaicanos vendían “hierba”; se desarrolló cierta empatía entre ambos sectores de marginados.
Irrumpe el gurú
Los Clash habían probado con el reggae, incluso encerrándose con Lee Perry, el Productor Chiflado. Pero ahora pretendían abrir el abanico musical y necesitaban un guía erudito. Apareció un freak que superaba todo lo previsible. Guy Stevens, que había ejercido de DJ en la primera era mod y poseía un conocimiento apasionado de los sonidos estadounidenses. Empleado de Chris Blackwell en el sello Island, editó muchas maravillas y desembocó en la producción: bautizó a Mott The Hoople; trabajó igualmente con Procol Harum, Spooky Tooth y Free.
Tenía más cicatrices que todos los Clash juntos: era alcohólico y había visitado las cárceles de su majestad por un asuntillo de drogas.
Guy creía en la teoría de la tensión: provocar a los músicos, agredirlos incluso, para que salieran de su zona de confort y se superaran. Algunas ediciones de London calling incluyen un making of firmado por el colega Don Letts, con imágenes en blanco y negro de Stevens atacando al mobiliario e intimidando a Strummer. Guy, bendito sea, sirvió como catalizador de la grandeza potencial de The Clash.
Basta con comparar los temas de London calling, tal como los conocemos, con sus versiones primigenias, recién ensambladas las músicas de Mick Jones con los textos de Strummer. Son las llamadas Vanilla tapes, grabadas en su local de ensayo en Pimlico, situado sobre un taller de reparación de automóviles.
Sobre ruedas
Abusemos de las metáforas: London calling rueda majestuoso, igual que un coche recién salido de un chequeo minucioso. No es el movimiento espasmódico de anteriores elepés de The Clash: como si cambiara de marchas automáticamente, pasa con naturalidad del punk al rockabilly, al jazz, al reggae, al ska, al rhythm and blues y, sí, también al pop (en un sarcasmo mortal, Spanish bombs es un éxito en karaokes frecuentados por turistas británicos bien lubricados). El panel de mandos responde al toque: entran teclas y metales justo cuando se necesitan, nada de purismos de fanzine.
Funcionan los reflejos: Wrong ‘em boyo comienza en Nueva Orleans antes de girar hacia Kingston.
Su registro temático deslumbra igualmente. Todavía llevan el impulso de los Clash insurgentes, la identificación con forajidos y rebeldes; pero Strummer y Mick Jones también reflexionan sobre las poses, las opciones vitales, el peso de la historia, el poder redentor del rock. Además, se sitúan como eslabones de la tradición: Brand new Cadillac pudo ser, ellos lo recuerdan, “el primer rock and roll británico”, pero es obra de Vince Taylor —inspiración para Ziggy Stardust, el personaje de Bowie— y retrata ese deseo primordial de huir, de inventarse una existencia más auténtica.
Ideales y compromisos
Los fanes repetían aquello de “The Clash, la única banda que importa”. Sus hazañas musicales se retroalimentaban con unas exigencias ideológicas que les empujaron a decisiones económicamente suicidas. El doble London calling se vendió como elepé sencillo; Sandinista! era un triple que costaba menos que un doble. CBS bufaba, pero tragaba, tras recortar las royalties de aquellos puretas: digamos que los Clash nunca se vieron obligados a plantearse el dilema de convertirse en exiliados fiscales.
Faltaban muchos años para que llegaran los millones de libras con los éxitos internacionales, los anuncios con su música, las versiones de Annie Lennox, los recopilatorios para compradores tibios.
Hoy, el carisma de London calling se revela como una potente confluencia de vectores: un alborotado movimiento social, unos músicos en expansión, unas canciones urgentes, un productor visionario. Los propios Clash no pudieron repetirlo. Al año siguiente, alentados por el emergente rap neoyorquino, encendidos por una nueva comprensión de la realidad geopolítica, buscaron profundizar en sus hallazgos con Sandinista!
Demasiadas puñaladas
Sin embargo, ya no estaba Guy Stevens, caído en 1981 tras una sobredosis de medicamentos. El papel de timonel había pasado a Mick Jones, entonces desconocedor del concepto de control de calidad: Sandinista! tiene un porcentaje de aciertos superior a la media, pero se degrada por la magnitud de sus errores. ¿Podemos sorprendernos? En el espacio de un año habían editado el equivalente a cinco elepés.
Todo grupo efectivo obedece a un delicado equilibrio de fuerzas y talentos. El baterista, Topper Headon, patinaba por la pendiente de la heroína y fue expulsado, aun después de esbozar lo que sería el mayor éxito de The Clash en vida: Rock the casbah. La bomba de relojería estaba en el núcleo duro: tras adquirir modos y pintas de rock star, Jones decidió convertirse en el señor del sonido. La continuación de Sandinista! se llamaba Rat patrol from Fort Bragg y tenía dimensiones de disco doble: Mick se deleitaba en la experimentación.
Le cortaron las alas: el productor Glyn Johns adelgazó el proyecto hasta convertirlo en el contundente Combat rock. The Clash se transformó en un ring donde chocaban los egos (el de Bernie Rhodes, mánager, también era descomunal). En 1983, Strummer y Rhodes lograban dar la patada a Jones. Se arrepentirían demasiado tarde: el grupo se extinguió ignominiosamente dos años después.
London calling está disponible en un solo CD a través de Sony, pero a partir del 14 de diciembre se puede encontrar la 30th anniversary edition, con el documental The last testament.
Fuente: El País
viernes, noviembre 13, 2009
Canarias: Global Perfussion trae los acentos del mundo
El concierto intercultural de percusión convertirá la sala de Cámara del Auditorio de Tenerife el 18 de noviembre en escenario de una metáfora del diálogo entre culturas. El colombiano Urián Sarmiento hace parte del grupo.
El concierto intercultural de percusión Global Perfussion trae a Tenerife el próximo 18 de noviembre los acentos de 15 percusionistas del mundo que se encontrarán en la sala de Cámara del Auditorio, a las 21 horas. El escenario se convertirá durante unas horas en una metáfora del diálogo entre culturas, una conversación coral con un lenguaje común: el beat, el golpe primigenio que está en el origen de los ritmos ancestrales, de la música.
Las entradas pueden comprarse de forma anticipada en internet a través de las webs. Los puntos de venta de las entradas se pueden localizar en la web de Contamíname: www.contaminame.org, en la de LM producciones: www.lmproducciones.com, en la del Auditorio, www.auditoriodetenerife.com o en www.generaltickets.com.
Global Perfussion es una iniciativa de Belén Guerra, directora de la Fundación Contamíname para el Mestizaje Cultural. Guerra encargó en 2008 al músico tinerfeño Luis Fernández la organización de un concierto de percusión con otros 14 músicos de distintos países y diferentes tradiciones culturales. El concierto formaría parte del programa cultural del Segundo Foro Social Mundial de las Migraciones, celebrado en Rivas Vaciamadrid el año pasado.
"El encargo se amplió enseguida", explica Luis Fernández: "de organizar un concierto pasamos a componer los temas" y así, Global Perfussion cuenta ya con un repertorio de los temas compuestos para el caso: IntroducDong y Sea Sun Song, ambos de Luis Fernández; Emotivo, de Manu Delago; Blon, de Marcelo Gueblón; De Babel a la Unidad, de Nacho Arimany; y Adhâr Goma Suite, de José Pedro Pérez.
La cita de Tenerife es una reedición del programa original de 2008, aunque es previsible que lleguen a la Isla con nuevos enfoques, puesto que la mitad de los músicos del grupo de Global Perfussion llegarán este fin de semana procedentes de Bamako, la capital de Mali, donde este viernes se celebra el concierto Global Perfussion Mali. En esta ocasión, una representación de los músicos originales del grupo se encuentra con otros siete músicos del país africano.
Además, siguiendo su búsqueda de la fusión, se prevé que Global Perfussion Tenerife cuente con el acento singular que le puede aportar la tradición musical de Canarias.
Además de a Luis Fernández, el público que acuda a la Sala de Cámara del Auditorio reconocerá en el grupo también al percusionista canario José Pedro Pérez, al senegalés Ismaila Sané y al argentino Marcelo Gueblón, que durante años residieron en la Isla, así como al cubano Juan Javier Rodríguez, profesor del conservatorio de Santa Cruz de Tenerife.
El grupo lo completan, aparte de los ya citados, los brasileños Rogerio de Sousa y Bruno Buarque, el colombiano Urián Sarmiento, Ramesh Shotham (India), Majid Javadi (Irán), Nacho Arimany (Madrid) y Manu Delago (Austria) y tres mujeres: la catalana Carme Garrigó y las hermanas vascas Sara y Maika, integrantes de Ttukunak.
Global Perfussion nació como una experiencia única, pero su éxito entre el público y el impacto que causó también entre los músicos provocó el deseo de continuar moviendo por el mundo esta experiencia del encuentro de las músicas a través del lenguaje ancestral de la percusión. La reunión de percusionistas es una forma de expresar las posibilidades de compartir los códigos comunes que están en la base de todas las culturas a través de la percusión, convirtiéndose así en un símbolo del diálogo entre culturas.
Los instrumentos presentes en el escenario abarcan desde los utilizados en las grandes orquestas sinfónicas hasta espontáneos utensilios y cachivaches, pasando por los más representativos instrumentos de diferentes culturas populares. Los timbales, darbukas, djembes, las marimbas y el steel drum se unen a los sets de calabazas, los vibráfonos, las tablas de la txalaparta, la conga, el batá, el pandeiro los berimbaus, el triángulo y los cascabeles, entre los instrumentos más tradicionales. Junto a ellos, nuevos instrumentos como tubos de PVC y sartenes.
Más información en: http://www.contaminame.org/proyectos/perfussion/index.html#
Fuente: La Opinión
El concierto intercultural de percusión Global Perfussion trae a Tenerife el próximo 18 de noviembre los acentos de 15 percusionistas del mundo que se encontrarán en la sala de Cámara del Auditorio, a las 21 horas. El escenario se convertirá durante unas horas en una metáfora del diálogo entre culturas, una conversación coral con un lenguaje común: el beat, el golpe primigenio que está en el origen de los ritmos ancestrales, de la música.
Las entradas pueden comprarse de forma anticipada en internet a través de las webs. Los puntos de venta de las entradas se pueden localizar en la web de Contamíname: www.contaminame.org, en la de LM producciones: www.lmproducciones.com, en la del Auditorio, www.auditoriodetenerife.com o en www.generaltickets.com.
Global Perfussion es una iniciativa de Belén Guerra, directora de la Fundación Contamíname para el Mestizaje Cultural. Guerra encargó en 2008 al músico tinerfeño Luis Fernández la organización de un concierto de percusión con otros 14 músicos de distintos países y diferentes tradiciones culturales. El concierto formaría parte del programa cultural del Segundo Foro Social Mundial de las Migraciones, celebrado en Rivas Vaciamadrid el año pasado.
"El encargo se amplió enseguida", explica Luis Fernández: "de organizar un concierto pasamos a componer los temas" y así, Global Perfussion cuenta ya con un repertorio de los temas compuestos para el caso: IntroducDong y Sea Sun Song, ambos de Luis Fernández; Emotivo, de Manu Delago; Blon, de Marcelo Gueblón; De Babel a la Unidad, de Nacho Arimany; y Adhâr Goma Suite, de José Pedro Pérez.
La cita de Tenerife es una reedición del programa original de 2008, aunque es previsible que lleguen a la Isla con nuevos enfoques, puesto que la mitad de los músicos del grupo de Global Perfussion llegarán este fin de semana procedentes de Bamako, la capital de Mali, donde este viernes se celebra el concierto Global Perfussion Mali. En esta ocasión, una representación de los músicos originales del grupo se encuentra con otros siete músicos del país africano.
Además, siguiendo su búsqueda de la fusión, se prevé que Global Perfussion Tenerife cuente con el acento singular que le puede aportar la tradición musical de Canarias.
Además de a Luis Fernández, el público que acuda a la Sala de Cámara del Auditorio reconocerá en el grupo también al percusionista canario José Pedro Pérez, al senegalés Ismaila Sané y al argentino Marcelo Gueblón, que durante años residieron en la Isla, así como al cubano Juan Javier Rodríguez, profesor del conservatorio de Santa Cruz de Tenerife.
El grupo lo completan, aparte de los ya citados, los brasileños Rogerio de Sousa y Bruno Buarque, el colombiano Urián Sarmiento, Ramesh Shotham (India), Majid Javadi (Irán), Nacho Arimany (Madrid) y Manu Delago (Austria) y tres mujeres: la catalana Carme Garrigó y las hermanas vascas Sara y Maika, integrantes de Ttukunak.
Global Perfussion nació como una experiencia única, pero su éxito entre el público y el impacto que causó también entre los músicos provocó el deseo de continuar moviendo por el mundo esta experiencia del encuentro de las músicas a través del lenguaje ancestral de la percusión. La reunión de percusionistas es una forma de expresar las posibilidades de compartir los códigos comunes que están en la base de todas las culturas a través de la percusión, convirtiéndose así en un símbolo del diálogo entre culturas.
Los instrumentos presentes en el escenario abarcan desde los utilizados en las grandes orquestas sinfónicas hasta espontáneos utensilios y cachivaches, pasando por los más representativos instrumentos de diferentes culturas populares. Los timbales, darbukas, djembes, las marimbas y el steel drum se unen a los sets de calabazas, los vibráfonos, las tablas de la txalaparta, la conga, el batá, el pandeiro los berimbaus, el triángulo y los cascabeles, entre los instrumentos más tradicionales. Junto a ellos, nuevos instrumentos como tubos de PVC y sartenes.
Más información en: http://www.contaminame.org/proyectos/perfussion/index.html#
Fuente: La Opinión
martes, noviembre 10, 2009
La performance experimental de Eric and Mary Rosse llega al Guggenheim
El Museo Guggenheim Bilbo acogerá el próximo jueves a las ocho de la tarde, «en primicia mundial», la obra Boulevard d'Reconstructie (Op.54). Se trata de la última producción de Ultimedia Concept, es decir, la compañía estadounidense formada por el compositor Eric Ross y la video-artista Mary Ross.
Según informó ayer la pinacoteca en un comunicado, la obra que se podrá ver consiste en una performance experimental, donde video-proyecciones y fotografías se fusionan con música de piano, guitarra y, sobre todo, el theremin -uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos-. La interpretación de este instrumento será llevada a cabo, en directo, por Eric Ross, mezclando elementos de varios estilos como jazz, música clásica y serial.
Eric and Mary Ross Ultimedia Concept llega a Bilbo con una larga trayectoria previa. Han actuado en numerosos conciertos multimedia, festivales de jazz, museos y centros de arte de todo el mundo desde el año 1977.
Previamente, hora y media antes de la performance, a las 18.30, comenzará un proceso creativo donde los artistas conversarán con los asistentes sobre sus 30 años de trabajo conjunto y mostrarán algunos ejemplos de las 'performances' que han llevado a cabo en su amplio repertorio.
Los participantes tendrán su protagonismo ya que podrán disertar junto a la compañía sobre los orígenes del video arte y su impacto en la fotografía, así como sobre las nuevas tecnologías.
Las entradas para este espectáculo están disponibles en las taquillas del museo y en la página web del mismo www.guggenheim-bilbao.es. La entrada al proceso creativo cuesta seis euros (cuatro a los Amigos del Museo), mientras que la del concierto son ocho euros (seis para los Amigos del Museo). El bono para ambos actos cuesta 12 euros (ocho para los Amigos del Museo).
Fuente: Gara
miércoles, octubre 21, 2009
Fermin Muguruza presenta «Checkpoint Rock» en México
«La música sí puede cambiar las cosas», dijo Fermin Muguruza al presentar su documental en el Festival Internacional de Cine Documental de Ciudad de México (DOCSDF). «Cambia a las personas, las hace levantarse para luchar». Su recorrido traspasando puntos de control militar en Palestina en busca de músicos locales, le ha «transformado», aseguró. «Este año fui otra vez en agosto, a presentarles la película, porque es suya», recordó en una entrevista. La proyección fue como una fiesta y después lo celebraron con un concierto donde se armó «bastante desmadre», dijo. «Esa noche Palestina fue libre».
El músico de Irun proyectará su filme en varios auditorios de la capital mexicana. Entre ellos, la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y una «jaima» instalada por el festival en un céntrico parque. El cantante mantiene una estrecha relación con México. «Llevo viniendo 17 años, aunque hacía dos y medio que no estaba», narró. Su última actuación fue en el Zócalo capitalino, la mayor plaza pública del país, donde congregó a decenas de miles. Muguruza reconoció que tiene poco tiempo para los libros pero que sigue leyendo todo lo que escribe el «Subcomandante Marcos», de la guerrilla zapatista.
Preguntado por si tiene intención de realizar otro documental, respondió que «tendría que ser algo sobre música, porque es donde mejor puedo canalizar lo que sé». Respecto a volver con Kortatu o Negu Gorriak, «no juntaría ninguna banda, porque me parece un acto muy poco consecuente, lo único que aportan son dosis de nostalgia y por supuesto pasar por caja», afirmó, aunque no dijo que no a hacer «guiños» en sus conciertos.
jueves, octubre 15, 2009
Hermanas en la lucha - Lesbianas En Extasis
Enlaces:
http://www.lezziesonx.com/
http://www.myspace.com/lezziesonx
http://www.flickr.com/groups/lezziesonx
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